Delen:
Top 10 beste cinematografen
Cinematografie is in veel opzichten een ondankbare klus. Iedereen weet wat hun basisdoel is, hoe belangrijk het is voor de film, en hoe visuele beelden vaak de meest memorabele zijn, en toch zouden velen moeite hebben om zelfs maar één cameraman te noemen. In de geschiedenis van de film is de rol van de cameraman een vaak verwaarloosde, en toch zijn ze net zo belangrijk en invloedrijk geweest als regisseurs, schrijvers en acteurs. Om hen te herdenken, hier is een lijst van de tien grootste en meest invloedrijke cinematografen. Misschien vind je onze Top 10 Cinematographic Masterpieces ook leuk.
10Kazuo Miyagawa 1908-1999
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = 3iKN2klFN1E & hl = nl & fs = 1 &]
Miyagawa is misschien wel de belangrijkste cinematograaf in de Japanse geschiedenis, omdat hij heeft gewerkt met een who's who van Japanse auteurs, waaronder Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu en Kenji Mizoguchi. Hij is misschien het meest bekend om zijn werk aan Rashomon, waar hij de eerste persoon was die een camera direct in het zonlicht richtte (gebruikmakend van jarenlange studie over blootstelling aan licht). Hij stond ook bekend om het gebruik van meerdere camera-instellingen voor scènes en werd geprezen om zijn contrast van vegende tracking-opnames en scherpe close-ups. Andere innovaties op de film zijn het gebruik van spiegels om natuurlijk licht te reflecteren en geverfd zwart water als regen te gebruiken, om het levendiger te laten lijken op de camera. Hij was ook een meester in genres, werkend aan komedies (The Rickshaw Man), samurai-films (de Zatoichi-films), alsmede over het toezicht op 164 cameramannen en het gebruik van meer dan 234 verschillende lenzen voor Tokyo Olympiad, vaak vergeleken met Leni Riefenstahl's Olympia als een van de de grootste Olympische documentaires.
Sommige van de verbluffende werken van Miyagawa over Rashomon zijn te zien in de clip.
Opmerkelijke films: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho de Baljuw (1954), Floating Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Tokyo Olympiad (1965)
9 Sergei Urusevsky 1908-1974[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = GFrHPcKiXaQ & hl = nl & fs = 1 &]
Hoewel het bijna niet zo productief is als anderen op deze lijst, heeft Urusevsky een bijna mythische status verdiend bij cinematografen vanwege zijn werk met de Russische regisseur Mikhail Kalatozov over films als Ik ben Cuba en The Cranes are Flying. Zijn bijna ongelofelijke combinatie van diepe focus, acrobatische opnames, subjectief perspectief en andere opmerkelijke cinematografische bedrogs was zijn tijd zo ver vooruit dat hij pas meer dan een decennium later in het westen te zien zou zijn. Helaas zijn zijn Kaltozov-samenwerkingen grotendeels begraven door de Sovjet-propagandamachine en zijn pas onlangs gerestaureerd dankzij erkende bewonderaars zoals Martin Scorsese en Francis Ford Coppola. Zijn spectaculaire camerawerk, dat vaak afgeleid werd van de juiste focus van de scène, werd verdedigd door Urusevsky, waarbij hij opmerkte: "Het heeft me nooit als cameraman geïnteresseerd om gewoon te registreren wat er aan de hand is voor de camera."
De bovenstaande, veel gevierde clip is misschien wel de meest bekende scène in het repertoire van Urusevsky, een ballistische volgshot van de opening van I am Cuba pronkt met zijn blaffende en originele camerawerk.
Opmerkelijke films: The Forty-First (1956), The Cranes are Flying (1957), The Unsent Letter (1959), I am Cuba (1964)
Vittorio Storaro Geboren in 1940
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = gK3Vej7V7yM & hl = nl & fs = 1 &]
Vittorio Storaro (geboren op 24 juni 1940 in Rome) is een drievoudig Academy Award winnende Italiaanse cineast. Hij is het meest bekend om zijn werk aan Apocalypse Now (zijn eerste Oscar), waar hij door Francis Ford Coppola werd vrijgelaten om de veelgeprezen visuele look van de film te fotograferen. Hij ging Oscars winnen voor Reds en The Last Emperor, geregisseerd door Bernardo Bertolucci, zijn meest voorkomende medewerker. Storaro wordt algemeen beschouwd als een meester-cameraman met een verfijnde filosofie die grotendeels is geïnspireerd op de kleurentheorie van Johann Wolfgang von Goethe, die zich deels richt op de psychologische effecten van verschillende kleuren en de manier waarop kleuren onze waarnemingen van verschillende situaties beïnvloeden. Met zijn zoon, Fabrizio Storaro, creëerde hij het Univisium-formaatsysteem om alle toekomstige theatrale en televisiefilms te verenigen in een respectieve beeldverhouding van 2,00: 1.
De clip is een scène uit The Sheltering Sky, die aantoonbaar de mooiste woestijncinematografie ooit op film presenteert. Ga naar hier voor een betere weergave (en langere versie) van deze scène. Je zult absoluut niet teleurgesteld zijn.
Opmerkelijke films: The Conformist (1970), Last Tango in Parijs (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), The Last Emperor (1987), The Sheltering Sky (1990)
7 Sven Nykvist 1922-2006[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = c1Xrg9uw_8g & hl = nl & fs = 1 &]
Als de cameraman van Ingmar Bergman, kreeg Nykvist de niet benijdenswaardige taak om de verbazingwekkende, vaak surreële beelden van de Zweedse auteur voor de camera werkelijkheid te maken. Desondanks stond Nykvist bekend om zijn subtiliteit en eenvoud, en gaf hij de voorkeur aan naturalistische belichting als aanvulling op Bergman's langzame, tempo-stijgende stijl van vertellen. Hij was pretentieloos en vaak verborgen achter zijn torenhoge regisseur, maar Nykvist werd nog steeds erkend voor zijn werk met twee Academy Awards voor Cries and Whispers en Fanny en Alexander. Nykvist werkte ook met regisseurs zoals Roman Polanski, Woody Allen en Andrei Tarkovsky. Hij was de eerste Europese cineast bij de American Society of Cinematographers en ontving in 1996 een Lifetime Achievement Award van het ASC.
Hierboven is een prachtige scène uit Persona. Let op de opmerkelijke vervaging van het licht.
Opmerkelijke films: The Virgin Spring (1960), Persona (1966), Cries and Whispers (1973), Fanny and Alexander (1982), The Sacrifice (1986), The Unbearable Lightness of Being (1988)
6Gregg Toland 1904-1948
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = 4Tt840nlog0 & hl = nl & fs = 1 &]
Gregg Toland was niet lang bij ons, maar het is een eer voor zijn genialiteit dat hij vandaag zo vereerd is. Toland werd vijf keer genomineerd voor de beste cinematografische Oscar tijdens een zevenjarige gouden periode die duurde van 1936 tot 1942, maar het is zijn samenwerking met Orson Welles op Citizen Kane die het meest herinnerd wordt. Hoewel hij geen diepe focuscitematografie creëerde, perfectiseerde hij het in Citizen Kane, waardoor personages op de voorgrond en op de achtergrond tegelijkertijd kunnen worden gefotografeerd. Een groot deel van het visuele en cinematografische genie van de film - lage hoeken, hoog contrast, donkere schaduwen - hoewel vaak toegeschreven aan Welles, was grotendeels het werk van Toland. Welles erkende later dat Toland hem adviseerde over cameraligging en lichteffecten in het geheim, zodat de jonge regisseur zich niet zou schamen voor de zeer ervaren bemanning. Hij was dus veel verschuldigd aan het werk van Toland, dat Welles erop stond dat hun namen samen op de aftiteling verschijnen. Later werkte Toland aan Disney's Song of the South, waarin live-actie gecombineerd werd met animatie.
Hierboven staat een voorbeeld van diepe focus in Citizen Kane.
Opmerkelijke films: Wuthering Heights (1939), The Grapes of Wrath (1940), The Long Voyage Home (1940), Citizen Kane (1941), How Green Was My Valley (1941), Song of the South (1946)
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = AbchmWS5jIU & hl = nl & fs = 1 &]
De bijnaam 'The Prince of Darkness' vanwege zijn voorliefde voor het gebruik van rijke zwarten en donkere interieurs, het beroemdst in The Godfather-films waarvoor hij het meest bekend is, Gordon Willis is beroemd om zijn innovatieve cinematografie die hem twee Oscar-nominaties en veel respect oplevert . Zijn werk op The Godfather-films is legendarisch, en zijn innovaties omvatten baanbrekend gebruik van warme, donzige, oranje gloed om nostalgische scènes uit het verleden in The Godfather Part II weer te geven, en de unieke recreatie van fotografie uit de jaren 1920 voor Woody Allen's Zelig.
Hierboven is een clip te zien waarin Gordon Willis (en anderen) de cinematografie van The Godfather bespreken.
Opmerkelijke films: The Godfather (1972), The Godfather Part II (1974), All the President's Men (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), The Godfather Part III (1990)
4Christopher Doyle geboren in 1952
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = dRyU2mK4Rls & hl = nl & fs = 1 &]
Hoewel hij in Australië is geboren, heeft Doyle zijn sporen verdiend door Aziatische films te fotograferen, vooral het werk van de Hong Kong-regisseur Wong Kar-Wai. Zijn werk met de regisseur, in het bijzonder de films Chungking Express, In the Mood for Love en 2046, wordt geprezen om hun levendige spatten van kleuren en hoge verzadiging, en hij wordt beschouwd als een van de belangrijkste architecten van de Aziatische New Wave-cinema. Hij is ook een van de weinige 'superster'-cinematografen wiens reputatie vaak hoger is dan de regisseurs waarmee hij samenwerkt.
Hierboven is een filmpje uit de film Hero, waar Doyle's aandacht voor levendige kleuren cruciaal was voor het verhaal.
Opmerkelijke films: Chungking Express (1994), In the Mood for Love (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park (2007)
3 Conrad L. Hall 1926-2003[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = DWTNBRs7Ccs & hl = nl & fs = 1 &]
Begonnen met films als Cool Hand Luke en Butch Cassidy en de Sundance Kid, hielp Hall de benaderingen van het filmen te bevrijden door, zoals Sight en Sound het stellen, "de deugden van fouten te maken". Vlekken zoals de zon die op de lens valt, vuil op de lens of andere schijnbare afleidingen die in het verleden heropstartingen noodzakelijk zouden hebben gemaakt, maar Hall's benadering was een voorbeeld van de nieuwe golf van Amerikaanse cinema en hielp bij het instellen van een sjabloon voor korrelige, onafhankelijke films. Maar Hall bewees ook dat hij meer 'ongerepte' foto's kon verwerken, door films zoals American Beauty later in zijn carrière te fotograferen. Hij won zijn eerste Oscar in 1969 voor Butch Cassidy en de Sundance Kid, en zou dan 30 jaar moeten wachten op zijn volgende, voor American Beauty. Zijn derde Oscar werd hem postuum uitgereikt voor Road to Perdition. Bovendien werd hij nog zeven keer genomineerd tijdens zijn leven.
Boven is een grappige scène van Butch Cassidy en de Sundance Kid, waarvoor Hall een Oscar won.
Opmerkelijke films: Cool Hand Luke (1967), In Cold Blood (1967), Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969), The Day of the Locust (1975), American Beauty (1999), Road to Perdition (2002)
2James Wong Howe 1899-1976
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = E1TOWhU7dik & hl = nl & fs = 1 &]
James Wong Howe had meer dan 130 films op zijn naam staan, van het stille tijdperk tot kleur. Tijdens de jaren 1930 en 1940 werd hij beschouwd als een van de meest gewilde cinematografen in Hollywood. Hij werd genomineerd voor tien Academy Awards voor cinematografie en won twee keer. Naast het feit dat hij als een van de eerste cinematografen deep focus fotografie gebruikte, pionierde Howe technieken om de ogen op B & W-film, vroege dolly-technieken, handheld cameratechnieken en fotograferen met ongebruikelijke lichtbronnen, zoals bij kaarslicht op The Molly Maguires, te vergroten.
De clip is een heldere, prachtige zwart-witfotografie van Hud, waarvoor Howe een Oscar won.
Opmerkelijke films: The Thin Man (1934), Algiers (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), The Rose Tattoo (1955), Sweet Smell of Success (1957), The Old Man and the Sea (1958), Hud (1963), Funny Lady (1975)
1 Charles Rosher 1885-1974[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = CvUvr715rjg & hl = nl & fs = 1 &]
Charles Rosher was een tweevoudig Academy Award-winnende cameraman die vanaf de jaren vijftig werkte vanaf de begindagen van stomme films. Hij werd geboren in Londen en was de eerste cineast die een Academy Award ontving, samen met medewinnaar Karl Struss uit 1929. Rosher studeerde fotografie in zijn jeugd maar verdiende al vroeg een reputatie als cameraman van het nieuwsleven, voordat hij in 1909 naar de Verenigde Staten verhuisde. Hij vond vervolgens werk voor David Horsley die in zijn productiebedrijf in New Jersey werkte. Omdat vroege film grotendeels beperkt was tot het gebruik van daglicht, verhuisde Horsley in 1911 zijn productiebedrijf naar Hollywood, nam Rosher mee en opende daar de eerste filmstudio. Dit maakte Rosher de eerste full-time cameraman in Hollywood. In 1913 ging hij naar Mexico om filmreproducties van de opstand van Pancho Villa te filmen. In 1918 was hij een van de oprichters van de American Society of Cinematographers en diende hij als eerste vice-president van de groep. In de jaren 1920 was hij een van de meest gewilde cinematografen in Hollywood en een persoonlijke favoriet van sterren als Mary Pickford. Zijn werk met Karl Struss op F.W. Murnau's film Sunrise uit 1927 wordt gezien als een mijlpaal in de cinematografie. Bovendien ontving Rosher twee Eastman-medailles (genoemd naar George Eastman), de gouden medaille van Photoplay Magazine en de enige beurs ooit uitgereikt door de Society of Motion Picture Engineers.
Hierboven ziet u een voorbeeld van het revolutionaire werk van Rosher aan Sunrise.
Opmerkelijke films: Sunrise (1927), The Affairs of Cellini (1934), Little Lord Fauntleroy (1936), The Yearling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951)
Listverse is een plek voor ontdekkingsreizigers. Samen zoeken we naar de meest fascinerende en zeldzame pareltjes van menselijke kennis. Drie of meer lijsten vol met feiten per dag.