10 geweldige scènes in de muziekgeschiedenis

Na het verrassende succes van mijn eerste lijst (waarmee ik bedoel dat deze niet meteen op de virtuele slush-stapel werd gegooid), voelde ik me geïnspireerd om een ​​andere te schrijven. Deze lijst concentreert zich op een aantal van de meest geliefde scènes in de geschiedenis van het muziektheater, en beslaat ongeveer zesenzestig jaar. Het is overbodig om te zeggen dat het moeilijk is om zes decennia samen te voegen tot 5000-vreemde woorden, maar je probeert het.

Anders dan in mijn laatste lijst, zijn niet alle musicals waar deze scènes uit voortkomen succesvol of gedenkwaardig, maar de scènes zelf zijn klassiek, innovatief of tonen veel talent. Ik heb genoeg zelfvertrouwen gehad om deze keer in meer detail te gaan, hoewel ik ook heb geprobeerd zeker te stellen dat ik niets zou herhalen dat al in de laatste lijst werd bezocht. Ik kan je verzekeren dat mijn misleidende enthousiasme voor musicals voldoende is om twee lijsten te vullen. Misschien drie. Hmmm.

10

Singin 'in the Rain Singin' in the Rain (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

Een meerjarige klassieker, Singin 'in the Rain, produceerde een ster in de 19-jarige Debbie Reynolds, terwijl hij de schittering van Gene Kelly verder versterkte. Het produceerde ook de meest memorabele en populaire reeks van zijn co-ster Donald O 'Connor, "Make' Em Laugh,", waar hij zijn inspannende acrobatische danskwaliteiten tentoonstelde. De scène is vele malen opnieuw gemaakt, op shows als Glee (helaas) en de Oscars.

Maar de scène die het meest beroemd is, is ongetwijfeld het titelnummer, vanwege het onvergetelijke beeld dat het overbrengt van Gene Kelly, paraplu in de hand, dansend in de regen. Het is moeilijk om te kiezen wat een instant-klassieker zal worden, maar sinds de aanvang ervan is deze scène meermaals herschapen, geëerd, verwezen en gespoofed dan misschien elke andere scène in de bioscoop. Het was ook vrij recent geremixed in een opmerkelijke Volkswagen-advertentie.

Een van de meest boeiende dingen over deze scène is hoe gepolijst en strikt choreografisch het lijkt, terwijl achter de schermen het allesbehalve was. Veel mensen zijn zich bewust van het verhaal dat Gene Kelly extreem ziek is tijdens het fotograferen van deze scène. Weigeren om de set te verlaten totdat hij minstens één keer door de scene kon rennen, de legende is dat het in één take werd gefilmd, met zeer beperkte blokkering. Het idee dat zo'n klassiek stuk cinema in één vluchtige versie wordt gemaakt, is heel romantisch en heeft sindsdien de verbeeldingskracht van zowel acteurs als het publiek veroverd.

De regen zelf was gemaakt van water en melk om het dikker en zichtbaarder te maken op het scherm. Het tikken van de schoenen van Gene werd later ook gesynchroniseerd, en dit werd ook gedaan aan een groot deel van het tikken van Debbie Reynolds in de film. Ondanks deze onhandige technische details, zou de kijker nooit weten welke moeite was gedaan om de scène te laten werken. Het nummer, gecombineerd met Gene Kelly's onmiskenbare talent, creëerde een klassieke scène in de cinema en een van de grootste in de dansgeschiedenis.

9

Twee kleine meiden van Little Rock Gentlemen Prefer Blondes (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Hoewel het geen bijzonder goed voorbeeld is van het beste zingen of dansen van Marilyn Monroe of Jane Russell, was dit nummer de openingsscène in Gentlemen Prefer Blondes, de film die Marilyn Monroe als een ster op de markt bracht. Marilyn was vóór deze productie in een paar succesvolle films verschenen, zoals Monkey Business (1952) en Niagara (1953), maar het duurde tot Gentlemen Prefer Blondes dat ze wijdverspreide aandacht vergaarde. Op dit moment werd ze nog steeds beschouwd als een minder bekende actrice dan Jane Russell, en haar naam wordt daarom onder Jane's in de begincredit gefactureerd.

Tegen de tijd dat Gentlemen werd gefilmd, had ze een personage van smeulende sexappeal gemodelleerd, verpakt in een bijna naïeve, wijd open ogen onschuld. Tijdens het filmen van Gentlemen werd Marilyn naar verluidt verteld dat ze dit seksuele magnetisme moest afzwakken, dat soms een beetje te intens kon worden voor de lieve, sympathieke (hoewel enigszins conniverende) rol die ze speelde (van Jane Russell werd gezegd dat ze de toon moest geven het omhoog). Ze begon echter net een akkoord te maken met het publiek in de film met deze berekenende seksualiteit, en het bleef een populair aspect van haar acteerwerk.

In deze beroemde scène maken we kennis met de personages van Jane Russell en Marilyn Monroe in de oogverblindende Technicolor. Het was pas de tweede keer dat het publiek Marilyn had horen zingen (de eerste was in een B-film uit 1948 met de naam Ladies of the Chorus) en een van de eerste glimpen van haar met de platina blonde lokken die haar handtekening zouden worden (vóór Monkey Ze had verschillende blonde tinten geprobeerd, en in Do not Hoss To Knock (1952) is haar haar meer een gelige, gouden tint dan de witte blonde waar we bekend mee zijn.

Het moet voor filmliefhebbers duidelijk zijn geweest, toen ze deze blonde bom zagen exploderen op het podium in haar flitsende rode pailletten, dat ze naar een echte ster keken, een vrouw van onpeilbare schoonheid, en helaas onderschatte talenten. Ze houdt gemakkelijk haar meer ervaren co-ster bij en pronkt met de adembenemende, dromerige zangstem die een van haar beroemde handelsmerken zou worden.

Gedurende haar vrij korte carrière typeerde Marilyn meestal als mooie maar idiote sexpots. Ondanks deze persona op het scherm had ze een diepe interesse in psychoanalyse, zeer liberale overtuigingen (vooral over gelijke rechten), en werd door derde man (en schrijver van het toneelstuk The Crucible), Arthur Miller, gezegd een toegewijde koper te zijn van boeken. Er gaat een herhaaldelijk gerucht dat ze een IQ van meer dan 160 had, wat haar, als het waar was, veel meer dan gemiddeld intelligent zou maken.Zeker veel intelligenter dan een bepaalde Amerikaanse president waarvan het gerucht gaat dat ze er stiekem van genoot. Maar het 'IQ-gerucht' is slechts één van de vele die in de jaren na de dood van Marilyn zijn blijven opduiken, wat meer controversieel dan andere. Haar vaak zeer schrille opmerkingen suggereren dat ze verre van onintelligent was, eens aan het quippen: "Over Oscars gesproken, ik zou overweldigend winnen als de Academie een Oscar zou geven voor fake orgasmes. Ik heb een aantal van mijn beste acteerwerk gedaan en mijn partners ervan overtuigd dat ik in extase was. "

Nochtans, kon zij nooit de regelmatige typecasting bestrijden, hoewel zij erin slaagde om van haar blonde ditzrol in een paar van haar films, zoals Niagara, Bushalte (1956), en Misfits (1961) af te wijken. Ondanks haar succes was het leven van Marilyn ook erg verontrust. Tegen het einde van haar leven was ze erg ziek en kreeg ze twee miskramen. Gedurende haar hele leven leed ze aan depressies en betoveringen van wilde zelfvernietiging. Ze zou later opduiken om te filmen, versuft, verslaafd aan pillen, en soms niet komen opdagen. Ze werd op grote schaal gestraald als een nachtmerrie om mee te werken, vanwege haar onprofessioneel gedrag en problemen met alcohol en drugs.

Een van deze momenten was op de set van The Prince and the Showgirl (1957) waar gewaardeerde acteur Laurence Olivier vaak Marilyn aanviel vanwege haar traagheid en voor het vergeten van haar lijnen. Marilyn vond dat ze door de Engelsen groot en ongeschikt was geworden (hoewel ze na haar dood zijn afkeer zou uitspreken over hoe ze meedogenloos door de industrie werd uitgebuit). Maar ze vertelde ook, luchtiger, hoe ze hem had gerustgesteld toen hij op een dag 'haar de hel' had gegeven over 'het verpesten': "Ik kalmeerde hem door hem te vertellen dat ik dacht dat zijn Hamlet (1948) er een was van de beste films ooit gemaakt. Je weet dat hij er een Oscar voor heeft gewonnen. '

8

Girl Hunt The Band Wagon (1953)

Deze scène, uit de film The Band Wagon, is een klein deeltje van de climax van de film. De film draait om de kwijnende Hollywood-acteur Tony Hunter (Fred Astaire), die voelt dat zijn ster aan het verdwijnen is en dat zijn roem opdroogt. Hij is overgehaald in de hoofdrol in een luchtige musical die zijn twee schrijver-vrienden hebben gemaakt. Ze gebruiken ten onrechte Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), een acteur en regisseur met meerdere shows tegelijkertijd op Broadway, om te helpen bij de productie.

Melodramatisch en licht pretentieus, Cordova verandert de ouderwetse musical onmiddellijk in een stormachtig drama, compleet met complexe mechanische sets die uiteindelijk defect raken en de première van de show verpesten. Hij heeft ook de statige balletdanseres Gabrielle Gerard (Cyd Charisse) in dienst naast Tony. De twee botsen aanvankelijk, maar komen uiteindelijk samen om de show tot een succes te maken.

Nadat Cordova's productie instort, overtuigt Tony hem om terug te keren naar de originele nummers van zijn vrienden. Deze omvatten een montage getiteld "Girl Hunt," dat is een parodie van misdaad-fictie en de "hardgekookte" detectives die er vaak in verschijnen. In deze scène speelt het personage van Fred Astaire een nare detective op jacht naar de kwelgeesten van een delicaat blond meisje, gespeeld door Gabrielle, het personage van Cyd Charisse. Gabrielle speelt ook een zwoel, "gevaarlijk" brunette, die de detective probeert te verleiden.

Cyd Charisse en Fred Astaire waren beiden buitengewone dansers, zoals deze scène ongetwijfeld laat zien. Cyd Charisse werd, letterlijk, gefokt om een ​​danser te zijn en hield het in aanzien over zelfs acteren. Haar benen waren verzekerd voor $ 5 miljoen, en zij is een van de weinige vrouwen die samen met Fred Astaire en Gene Kelly heeft gedanst, anderen zijn Rita Hayworth, Debbie Reynolds en Judy Garland.

Fred Astaire stond bekend om zijn ongelooflijke gratie, zijn perfectionisme en zijn lichtvoetigheid. Gene Kelly stond vaak bekend om zijn kracht en kracht, terwijl Fred Astaire nauwkeuriger was en soms meer gecoördineerd werd geacht. Maar zelfs Cyd Charisse zelf bleef zeer diplomatiek over de kwestie, commentaar in haar autobiografie: "Het is als het vergelijken van appels en sinaasappels. Ze zijn allebei heerlijk. "

7

Rich Man's Frug Sweet Charity (1969)

Om zo'n zestien jaar vooruit te gaan, had Sweet Charity niet het geluk om geboren te worden in de jaren vijftig, waar twijfelachtige plots en liefhebbende heldinnen over het algemeen werden vergeven als de muzikale cijfers erin slaagden. Sweet Charity speelde danser, zanger en acteur Shirley MacLaine, die een van de liedjes van de film "If My Friends Could Me Me Now" als haar handelsmerk nam.

De film draagt ​​ook nog een eeuwige favoriet, "Hey, Big Spender." De film volgt de tegenslagen van Charity Hope Valentine (ik zei toch dat ze lief was), een naïeve danseres, prostituee. Hoewel ze constant van haar voordeel haalt in het leven en op moeilijke tijden valt, blijft ze hoopvol. Haar dromen lijken te zijn uitgekomen als ze de louche danszaal verlaat waar ze werkt, en ze ontmoet Oscar Lindquist (John McMartin), die begrip lijkt te hebben voor haar ex-beroep, hoewel hij later worstelt met het idee.

Gemaakt in de late jaren '60, zou deze musical het kunnen aandurven om problemen aan te pakken die musicals vroeger niet konden. Prostitutie werd vaak gesuggereerd in films in de jaren '30, '40 en '50, evenals seksuele promiscuïteit (Bette Davis's Jezebel (1938), en Joan Crawford's The Damned Do not Cry (1950) komt op de voorgrond), maar de moraal dubieuze vrouwen werden meestal uiteindelijk gestraft met vernedering of liefdesverdriet, of werden gedood (Bette Davis 1931 Waterloo Bridge is een voorbeeld van de laatste).

Soms werd seksualiteit met woordeloze woorden gesuggereerd om de toorn van de censor te vermijden.Cyd Charisse en Marilyn Monroe waren vaak 'slachtoffers van de censor', wat betekent dat ze nauwlettend in de gaten werden gehouden om ervoor te zorgen dat er geen ongepaste hoeveelheden huid werden getoond of dat ze het keurmerk overschreden als het ging om hun sex-appeal. Cyd Charisse toonde zich geamuseerd over deze aandacht en zei: "De censors waren er altijd toen ik op de set was. Toen ik in een lift werd opgehouden, stonden ze op ladders om te zien of ik goed was afgedekt. ​​'

Echter, in Sweet Charity geeft Charity alles behalve dat ze met mannen voor geld slaapt, maar nooit wordt beschaamd of vermoord vanwege haar acties. Hoe om te gaan met dit probleem maakte zelfs het filmen van de film nogal omstreden. Ross Hunter (producer van de 1969 Thoroughly Modern Millie) was oorspronkelijk producent, maar stopte vanwege meningsverschillen met regisseur Bob Fosse over hoe om te gaan met de delicate kwestie van prostitutie. Ross Hunter stond niet bekend om zijn voorkeur voor grit realisme, dus het is mogelijk dat hij niet wenste dat het beroep van Charity überhaupt werd genoemd.

Stormen in theekopjes terzijde, "Rich Man's Frug" is een uitzonderlijk goed gechoreografeerde en vrolijke scène, waarin Charity een beroemdheid begeleidt bij een exclusieve club en de floorshow bekijkt. Het muzieknummer lijkt ook de aard van de beroemdheid en de welgestelden te satiriseren, en creëert een scène die behoorlijk bizar en bizar is, compleet met cheeta's in kooien en uitgebreide marmeren beelden. De scène druipt ook praktisch met de jaren zestig, trouw aan de stijl en het uiterlijk van de tijd, en om die reden alleen al is zeer gedenkwaardig en aangenaam om naar te kijken. Je verwacht bijna dat Austin Powers op elk moment kan uitstappen.

6

Summer Nights Grease (1978)

Om nog eens negen jaar vooruit te springen, duwde Vet opnieuw de envelop als het ging om taboeonderwerpen. In deze film spelen seks in de tienerleeftijd, drinken en roken een grote rol in de verhaallijn (hoewel de tekstdichter zeker vermeldt dat Sandy en Danny "achttien" zijn, en daarom tenminste de leeftijd van toestemming). In plaats van de feiten te schuwen, schildert het muzikale nummer "Summer Nights" een realistisch beeld van een middelbare school: de jongens zijn bijna allemaal gefascineerd door seks, de meisjes kunnen klein en met twee gezichten zijn. Er is een duidelijke rivaliteit tussen Sandy en Rizzo, die de interesse van andere meisjes voor Sandy's zomergeluk met Danny niet deelt, terwijl Danny's vrienden meer geïnteresseerd zijn in "hoe ver" Danny bij Sandy kreeg dan al het andere.

Deze geliefde musical werd overgenomen van het toneel en aangepast om te passen rond het feit dat Olivia Newton-John een Australische was (misschien kon ze geen overtuigend Amerikaans accent geven?), Waardoor Sandy geen volledig Amerikaans meisje was, maar een Australiër uitwisselingsstudent. Afhankelijk van de productie hebben de uitvoeringen van deze musical sindsdien ervoor gekozen om deze verandering te behouden of niet (de productie in mijn middelbare school koos ervoor om de Australische afkomst van Sandy te behouden, niet verwonderlijk).

De censors verzonken nog steeds hun tanden in de vele seksuele verwijzingen van de film, en zorgden ervoor dat sommige van de meer ruwe verwijzingen werden doorgehakt. Misschien vanwege de angst om onnodig de censuur te verraden, besloten de producenten om Harry Reems te casten als coach Calhoun, vanwege zijn omvergeworpen overtuiging van "samenzwering om obsceniteit te verspreiden over staatsgrenzen heen", en zijn banden met pornofilms voor volwassenen. Stockyard Channing, die de promiscueuze Rizzo speelde, beweerde in een interview dat de hickeys in haar nek in een van de scènes echt waren, en dat Jeff Conaway "erop stond ze zelf toe te passen." Hoewel ik denk dat die bewering meer illustratief is voor de zuurrijke humor van Stockyard dan welke ongebruikelijke acteermethoden dan ook.

De scene "Summer Nights" speelt zich al vroeg in de film af en is misschien wel de bekendste en meest geliefde van alle scènes van het vet. "You're The One That I Love" en "Greased Lightning" zijn ook terugkerende en blijvende favorieten, maar "Summer Nights" is het enige nummer dat verschijnt in een insectenverdelger-commercial, dus het staat duidelijk bovenaan de lijst. Het leverde, in een vrij kort aantal, een geweldig inzicht op in de schoolsfeer uit de jaren vijftig die de film wilde creëren. Het introduceerde en onderscheidde de karakters van ondiepe Marty, stekelige Rizzo en zoete, bruisende Frenchy, en die van Danny's vermakende "T-Bird" vrienden.

Olivia Newton-John toonde haar sterke zangstem, zo niet sterke acteervaardigheden, terwijl John Travolta zijn populaire rol in Saturday Night Fever (1977) opvolgde met een al even geprezen rol en begon aan een zeer lange en succesvolle filmcarrière.

5

Lente voor Hitler The Producers (1968/2005)

Ik ben een van die zielloze mensen die de verschrikkelijke remake van 2005 van The Producers verkiezen boven het klassieke, baanbrekende origineel. Ik voel me onrein omdat ik het toegeef, maar daar is het dan. Het is Nathan Lane, en hij is fantastisch, en ik ben zwak. Maar afgezien van bekentenissen, dit muzikale nummer is misschien wel een van de meest hilarische, meest prachtig satirische nummers ooit gemaakt. Het druipt van de onstuimige humor van Mel Brooks.

Mel Brooks vond dat de beste wraak die we konden nemen op Adolf Hitler, omdat hij zo'n haat en ellende op de wereld toebracht, hem genadeloos moest bespotten, en dat doet hij. In de remake van To be or not to be in 1983 verschijnt hij zelf als de führer met de vraag: "Wat willen ze van me !? Ik ben goedaardig! Ik ben goedhartig! Ik zie er goed uit! "Wanneer hij ontdekt wat de buitenlandse kranten hem noemen, en gaat zingen dat hij geen oorlog wil, wil hij vrede! Een klein stukje van elk land in Europa.

The Producers was een van zijn meest succesvolle en geliefde komedies, waarbij hij Gene Wilder samenwerkte met Zero Mostel en een van de grappigste, meest aanstootgevende nummers uit de muziekgeschiedenis creëerde. Brooks paste de film later aan voor het podium en veranderde het in een musical. Nathan Lane verscheen als Max Bialystock in de podiumproductie en verdiende zijn tweede Tony Award. Zijn ervaring op het podium is misschien waarom hij het in de remake beter deed dan Mathew Broderick en is zo grappig als de sleazy Max Bialystock.

De remake van 2005 is eigenlijk meer een getrouwe remake van de toneelmusical, dan de originele film, die geen van de muzikale nummers had die later voor het podium werden geschreven ("We Can Do It," "Keep It Gay," "You Nooit zeggen veel geluk bij het openen van de nacht, "" Verraden, "enz.), En verschillende personages naar de remake. Bijvoorbeeld, in de remake van 2005 wordt Hitler afgebeeld als zeer verwijfd, terwijl hij in het origineel meer wordt afgebeeld als een drugsverslaafde pothead.

De film en musical zijn beide gericht op Max Bialystock (overigens is 'Bialystock' ook de Poolse stad waar Brooks 'voorouders woonden en die verwoest werd door de nazi's tijdens de Tweede Wereldoorlog), die samenwerkt met de mousy accountant Leo Bloom om de grootste te maken flop in de geschiedenis, in de hoop dat het geld dat ze inzamelen voor de productie veel meer zal zijn dan nodig is. Ze kiezen voor "Springtime For Hitler", een spel dat zeker overal mensen beledigt, en een kitscherige regisseur, de krankzinnige, Nazi-sympathiserende toneelschrijver en onbekwame acteurs inschakelden om ervoor te zorgen dat de musical de kortste keer op Broadway in de geschiedenis draait.

Het veranderen van Nazi-Duitsland in een toneelmusical is zowat het meest aanvallende ding dat iemand zou kunnen proberen, maar met zijn bizarre, over-the-top waanzin, is 'Springtime for Hitler' niets dan briljant in zijn opzettelijke smaakloosheid. Zowel in de versies uit 1968 en 2005 als in de 'Springtime for Hitler'-scène wordt Brook's satirische humor sterk benadrukt, maar het origineel heeft het voordeel dat het, nou ja, het origineel is. En om Brooks een van de lijnen van de danseres te laten dubben ("Doe niet zo stom, wees een slimmerik. Kom en word lid van de nazi-partij!"), Maar in de versie van 2005 zien we hoe schaars geklede soldaatvrouwen de pinnen onzichtbaar afpakken granaten met hun tanden, terwijl een blonde John Barrowman (Torchwood) een Duits uniform trekt. Het is moeilijk.

4

La Vie Boheme RENT (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Hoewel niet per se een bijzonder gedenkwaardige film op zich, produceerde RENT een werkelijk uitstekende scène en dat werd begeleid door het lied "La Vie Boheme." Gebaseerd op de gelijknamige toneelproductie, richt RENT zich op het leven van verarmde bohemiens die in New York. Onder hen is een filmmaker, een muzikant, een drugsverslaafde exotische danser, een transseksueel en een filosofieprofessor (die beiden AIDS hebben) en een biseksuele performancekunstenaar.

Het lijkt een druk en enigszins verbijsterend uitgangspunt voor een musical, maar HUUR gaat niet over luchtige komedie of romantiek. Het behandelt tal van controversiële kwesties en richt zich met name op de aids-paniek van de late jaren tachtig en negentig. Het is ook gebaseerd op de Puccini-opera La Boheme, die een soortgelijk verhaal heeft van worstelende artiesten en muzikanten.

De film is min of meer een reeks gruizige, hard-kloppende nummers, met betrekking tot tal van kwesties, zoals seksualiteit en heroïneverslaving. De podiumproductie deed het veel beter dan de film en won de Tony for Best Musical, terwijl de film last had van die 'staginess' die het publiek zo vaak van musicals vervreemdt. Het (soms overweldigend) grimmige materiaal is niet genoeg om het feit te compenseren dat er zeer weinig dialoog is, en sommige nummers lijken ongemakkelijk en onrealistisch van het toneel. Sommige van de scènes van de verwarde bohemiens die plotseling in het lied breken zijn erg onhandig.

Maar, afgezien van de tekortkomingen, is "La Vie Boheme" een van de lichtere, leukere nummers, die de broodnodige opluchting van het sobere drama bieden. In plaats van zich te concentreren op de moeilijkheden van de bohemians, omarmt 'La Vie Boheme' hun verschillende verschillen en staat ze sterk tegenover conventie, conservatisme en vooroordelen. Het nummer is parmantig en geestig, met name gericht op de ex-kamergenoot Benny Coffin III (Taye Diggs) van de bohemiens, die ze naar verluidt hebben verraden en verlaten. Benny benadert hun situatie realistischer door erop te wijzen dat ze uitgehongerd zijn en in een gevaarlijke, smerige buurt leven, maar het lijkt alsof de vertoning van seksualiteit en opstandigheid in de war raakt.

Het nummer verwijst ook naar The Wizard of Oz in de rij: "Waarom Dorothy en Toto de regenboog overgingen om tante Em af te blazen. La Vie Boheme! "

3

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

In 2001, na een beperkte release in de Verenigde Staten, begon Moulin Rouge aan een langzame maar zekere overheersing van box offices wereldwijd. Baz Luhrmann creëerde met zijn grillige, opzichtige handelsmerk een film met een enorme kracht en aantrekkingskracht, en nam het begrip 'jukebox musicals' in grotere mate in beslag dan ooit tevoren. Het refereerde aan een enorme selectie van artiesten en muziek, met name in het nummer "Elephant Love Melody" waar een meerderheid van het nummer is gemaakt van losse teksten van beroemde liefdesliedjes van artiesten als The Beatles, Whitney Houston, David Bowie, Elton John en U2.

"El Tango De Roxanne" (gebaseerd op het lied "Roxanne" van The Police) vindt plaats aan het einde van de film.Christen en Satijn zijn minnaars, maar de hertog streeft agressief naar Satine en maakt geen geheim van wat er zal gebeuren als hij ontdekt dat Satine hem ontrouw is. Terwijl het aantal begint, is Satine gedwongen de nacht door te brengen met de hertog, en Christian is intens jaloers. Zittend in broederlijke stilte met de andere bewoners van de Moulin Rouge, neemt hij zijn woede op tegen een van de andere prostituees, en roept haar minnaar, de onbewuste Argentijn (Jacek Koman), op om wraak te nemen tegen Christian, hem beschuldigend van het opbrengen van zichzelf voor verliefd worden op een vrouw die zichzelf verkoopt: "Wanneer liefde voor de hoogste bieder is, kan er geen vertrouwen zijn. Zonder vertrouwen is er geen liefde. '

Het nummer is bijna een terugkeer naar de 'Gouden Eeuw'-cinema, zoals het grotendeels gaat over traditionele, samengestelde dans. Dit was gebruikelijk in oudere musicals: "Pick Yourself Up" van Swing Time (1936), "You Were Meant For Me" van Singin 'In the Rain, "Girl Hunt" van The Band Wagon (1953) zijn voorbeelden, en nog vele anderen . Maar het leek populariteit te verliezen naarmate de tijd vorderde, en werd steeds zeldzamer, misschien omdat het steeds moeilijker was om het jongere, meer cynische publiek te overtuigen van een realistische situatie wanneer een paar sporadisch samen in dans zou barsten. Contrastend, chaotisch, geïmproviseerd dansen, zoals dat in "La Vie Boheme", is veel gemakkelijker te integreren.

Maar in Moulin Rouge werkte het beeld van de rijen paren die in "El Tango De Roxanne dansten" spectaculair, ondanks de moeilijke taak om dit te combineren met de secundaire plot van Satine en de hertog. Het is een voorbeeld van een perfecte muziekcinema. Er is geen naad tussen de gesproken dialoog en de muziek, het smelt perfect samen.

Geregen tussen de tango van de mannen en vrouwen van de Moulin Rouge, zien we scènes van de Duke en Satine samen dineren. De hertog gelooft dat Satine bij hem is geslagen en geeft geschenken aan haar, maar zijn stemming zinkt snel als hij zich realiseert dat hij niet degene is waar Satine verliefd op is.

Overigens wordt de belangrijkste danser in deze scène ("Roxanne") gespeeld door Caroline O'Connor, een gevierde Australische actrice, vooral bekend om haar rol als Velma Kelly in de toneelproductie van Chicago.

2

The Cell Block Tango Chicago (2002)

Ik las onlangs dat een criticus, bij het beoordelen van Chicago, had geloofd dat "Cell Block Tango" zich in de film had afgespeeld zoals het op het podium was, en ik kan je vertellen dat niemand die zowel de film als de podiumproductie heeft gezien zou zo'n claim kunnen maken. De podiumproductie is sterk gefocust op minimalisme en de acts worden geënsceneerd als de acts van een vaudeville-show, het soort show waar het personage van Roxie Hart van Renee Zellweger wanhopig in wil figureren.

De Ziegfeld Follies worden vaak beschreven als een "hogere klasse" van de variétévoorstellingen van vaudeville die liep van eind jaren 1880 tot de jaren 1930. Vaudeville-shows bestonden uit een breed scala aan acts, van 'freakshows' tot zang en dans. Het had meestal ook de archetypische mooie, in kostuum geklede refreinmeisjes aanwezig. Om deze vaudeville-smaak te behouden, presenteert de podiumproductie van Chicago zowel klassieke dansnummers, zoals 'All That Jazz' en 'Ik kan het niet alleen', en andere uitvoeringen, zoals de 'Hungarian Disappearing Act'.

De film bewaarde ook de vaudeville-smaak van sommige nummers, maar was duidelijk in staat om veel ingewikkeldere, complexe scènes te maken die de toneelproductie. Net zoals 'El Tango De Roxanne', waar opengewerkte scènes van Satine en de hertog worden getoond, gebruikt 'Cell Block Tango' cutaway-scènes van Roxy in de gevangenis om twee plots te maken, een die voorkomt in Roxy's geest en de tweede die de realiteit. Er zijn nog andere voorbeelden hiervan. In het bijzonder opmerkelijk is de scène wanneer een van de gevangengenomen vrouwen wordt opgehangen. De hangende scène is doorspekt tussen opnames van een "magische act" genaamd de "Famous Hungarian Disappearing Act". De scène is minder effectief op het podium, omdat de aandacht van het publiek wordt verdeeld tussen het kijken naar de "verdwijnende handeling" en het feitelijke ophangen.

De criticus heeft gelijk dat de film 'Cell Block Tango' waarschijnlijk naar het toneel is vertaald, omdat er geen CGI-effecten in de scène zijn gebruikt. Maar het zou een productie van Phantom of the Opera-formaat moeten zijn om zo'n prestatie te bereiken.

Ondanks de extra voordelen van cutaway-scènes (en een enorm budget), is de film van de film "Cell Block Tango" verder vrij eenvoudig. Het is in wezen een buitengewoon slanke, grootschalige vaudeville-act. Het concept betreft elke moordenares in Cook County Gevangenis die de moord vertelt die zij heeft gepleegd, gebruikmakend van een rode sjaal om na te bootsen "waar het bloed zou zijn geweest".

De podiumproductie waarop de film is gebaseerd, is feitelijk zelf gebaseerd op een film (eigenlijk twee films), die op hun beurt zijn gebaseerd op de twee zeer openbare processen van twee moordenares in het Chicago van de jaren 1920. Het verhaal is twee keer eerder naar het scherm gebracht, een keer in een stille gelijknamige film uit 1927 en opnieuw in Roxie Hart (1942), waarin Ginger Rogers (de favoriete partner van Fred Astaire) als Roxie wordt weergegeven.

1

Somewhere Over the Rainbow The Wizard of Oz (1939)

Ik besloot dit als een extraatje toe te voegen, omdat het duidelijke verschillen vertoont met de andere scènes. Het meest voor de hand liggende is dat het geen dans bevat. Maar een overzicht zou zeker gemaakt worden als deze klassieke scène werd weggelaten (yay voor agent minder zinnen). The Wizard of Oz lanceerde een 17-jarige Judy Garland in het sterrendom.Vóór deze film was ze in verschillende kleine, onopvallende films verschenen en pas toen ze 'You Made Me Love You' op het verjaardagsfeest van Clark Gable had opgevoerd, leek haar bedrijf MGM haar potentieel te realiseren.

The Wizard of Oz maakte van Judy een begrip, en later verscheen ze in verschillende succesvolle musicals: Meet Me in St. Louis (1944), naast Fred Astaire in Easter Parade (1948), en naast Gene Kelly in The Pirate (1948) . Toen ze drie was, verscheen haar dochter, Liza Minnelli, naast haar in The Good Old Summertime (1949).

Net als Marilyn was Judy's leven extreem verontrust en geboeid door vijf huwelijken en talrijke zaken (sommige van haar vermeende geliefden waren Frank Sinatra, Yul Brynner en Orson Welles), evenals verscheidene zelfmoordpogingen. Ze beschuldigde MGM vaak ervan haar onvoldoende te voelen over haar uiterlijk en haar slecht te behandelen. Zoals veel filmfiguren van haar tijd leed ze aan een alcoholprobleem en een drugsverslaving op doktersvoorschrift, en dit heeft mogelijk geleid tot haar overdosis en overlijden in 1969, op 47-jarige leeftijd.

Judy is nog steeds een van de meest algemeen erkende en gevierde actrices aller tijden. Deze status wordt geholpen door de blijvende populariteit van The Wizard of Oz en het nummer 'Over The Rainbow', wat haar een ster maakte en haar contralto zongen stem wijdverspreide bewondering bracht. Het nummer snagged # 1 op de lijst van "Greatest Songs" van The American Film Institute in de afgelopen 100 jaar. De weemoedige droefheid van het lied wordt sterk geassocieerd met Judy en haar uiteindelijk tragische leven.

Judy was vaak heel open over de problemen in haar leven, en haar woorden wezen vaak op diep ongelukkig zijn. Ze werd in de biografie Judy (1999) geciteerd in de uitspraak: "Ik wilde geloven en ik probeerde mijn verdomdste te geloven in de regenboog die ik probeerde over te krijgen en dat niet kon. En dan? Veel mensen kunnen niet ... "

+

De Babbitt en de Bromide Ziegfeld Follies (1945)

Ziegfeld Follies is minder een film dan een reeks individuele muziekacts en kan bogen op een hoop sterren: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne en een van de originele Ziegfeld Follies-meiden, Fanny Brice.

De Ziegfeld Follies waren weelderige theatrale shows die van 1907 tot 1937 liepen, en meestal showcased vrouwen zingend, dansend, of juist pronkend hun aanblik en cijfers. De Ziegfeld Follies stonden bekend om hun extravagantie. De bedenker, Florenz Ziegfeld Jr., vatte het idee om de populaire vaudeville-premisse van niet-verwante muzikale acts te nemen en ze vervolgens te omringen met grootse sets en kostuums. Hij had ook scènes waarin mooie vrouwen eenvoudigweg op verschillende manieren poseerden en deze 'levende beelden' noemden.

De geschiedenis van de Ziegfeld Follies is buitengewoon interessant en controversieel, maar veel te lang om hier te bespreken. Het biedt echter een extreem rijk canvas voor elke film. Helaas is het uitgangspunt van Ziegfeld Follies vrij zwak en bestaat het uit Florenz Ziegfeld, zittend in de hemel en mentaal de volgende scènes toverend. Ondanks deze dunne verhaallijn is "The Babbitt and the Bromide" echt opmerkelijk. Naast elkaar staan ​​twee legendarische dansers: Fred Astaire en Gene Kelly. Het zou de enige keer zijn dat de twee samen zouden dansen in hun carrière, behalve That's Entertainment Part II (1976), 31 jaar later.

De act zelf bestaat uit een 'Babbitt'- en een' bromide'-bijeenkomst op straat en begint aan een zinloze en oppervlakkige discussie. Een "Babbitt" is een, tamelijk obscuur, woord voor een zelfgenoegzame, bekrompen burger van de middenklasse, en een "bromide" is een woord voor een onoriginele of onoprechte manier van spreken, wat suggereert dat het karakter van Fred Astaire ook beide is kenmerken (ervan uitgaande dat het karakter van Astaire de bromide was, ik denk niet dat dit ooit is aangepakt). De genade en precisie van Fred Astaire, Gene Kelly's fysieke kracht en opmerkelijke choreografievaardigheden zorgen voor een klassieke, onvergetelijke scène.

Het is ook memorabel omdat het wordt gezien als de ontmoeting van twee genieën, vooral omdat de twee mannen zichzelf spelen en geen personages. Ze plagen elkaar aan het begin van de scène, Gene verwijst naar de frequente danspartner van Fred, Ginger Rogers, en Fred doet hetzelfde met Gene's danspartner Rita Hayworth in de film Cover Girl uit 1944.